В российском живописном искусстве натюрморт практически всегда был второстепенным жанром. А назвать отечественного художника-натюрмориста смогут только искушенные искусствоведы. Но, так или иначе, натюрморт как самостоятельный жанр стал развиваться в 19 веке. Первыми «ласточками» стали небольшие акварели и гуаши Ф.П. Толстого и работы И.Т. Хруцкого. Это были классические европейские натюрморты с пышными букетами садовых цветов и корзинами фруктов. При всем их художественном обаянии эти работы имели весьма ограниченное значение для развития российской живописи.
Образ, который слишком сильно поразил Достоевского, неоднократно цитировались главными героями романа Идиота. Образ, похожий на реализм, на шедевр, мертвый Христос Андреа Мантеньи, в котором тело Христа принимает цвет, который больше не может быть трупным. Даже открытые раны лишены какого-либо следа крови, раскрывая плоть гниения. Могущественная фигура, которая не просто оставаться нечувствительной и долгое время входила в коллективное воображение. Чтобы назвать пример всего, тело Этторе было привязано к столу в «Маме Роме», хотя Пазолини отказался подойти.
Интерес к натюрморту как к самостоятельному жанру живописи появляется в 80-х годах 19 столетия . Важное место здесь принадлежит картинам И.И. Левитана (1860-1900) . Они, как правило, просты по замыслу и не велики по размеру, и представляют букеты привычных садовых или полевых цветов. В натюрморте «Лесные фиалки и незабудки» (1889) художник чутко предал хрупкость ночных фиалок и воздушность голубых незабудок, их гармонию с простой деревенской кринкой. Близки по мотиву «Одуванчики» и «Белая сирень». Первые выдержаны в теплой гамме, которая очень органично смотрится с глиной молочной кринки и желтыми головками цветов. Эти натюрморты Левитана достаточно традиционны: букеты изображены на нейтральном фоне и изолированы от окружающего пространства. Смысл этих картин очень прост - максимально точно передать прелесть выбранной натуры. Однако в эти же время в творчестве В. А. Серова и К.А. Коровина стали проявляться новые веяния, зародившиеся на полотнах французских импрессионистов . Импрессионисты старались связать натюрморт с окружающей средой, и сюжетно, и живописно. Для этого «мертвую натуру» выносят в пленэр, связывают с пейзажем или соединяют с интерьером комнаты. При помощи натюрморта пытаются создать отражение мироощущения человека, его настроения и жизненного уклада.
Конечно, то, что сделало работу прекрасной, - это беспрецедентное использование перспективы, которая также будет вдохновлена Аннибале Карраччи в опере Ла Сальма ди Кристо, в которой, однако, чувство реализма мертвой плоти было полностью потеряно. В этом случае раны все еще кровоточат, тело не является жестким из-за эффекта сурового окоченения, а оттенок лица не влияет на разложение мяса.
Это не означает, что представление мертвого тела должно проходить через гниение мяса, действительно, один из самых высоких примеров мертвой плоти - это, на мой взгляд, Ватикан Пьета Микеланджело Буонарроти, в котором неодушевленная и бесцветная скала преуспевает чтобы стать почти волшебным в таком истинном и заброшенном мясе, чтобы задаться вопросом, существует ли искусство в себе, и художник не должен делать ничего, кроме усугубления ее через ее чувствительность от блока холодного камня. Излишне заблуждаться в описаниях, просто взгляните на детали.
Все эти тенденции заметны на картине Коровина «За чайным столом» (1888). На полотне изображено дружеское общество на даче В.Д. Поленова . Картина написана на террасе загородного дома. Художник пытается передать ощущение летнего дня, прелесть дружеской беседы. Свежесть, исходящая от зелени и молодых лиц, создается в определенной степени и натюрмортом - контрастом красных налитых ягод в белой тарелке, молоком в высоких прозрачных стаканах, белизной свежей скатерти. Эмоциональное единство картины прежде всего достигается живописным решением полотна. Все изображенное написано с учетом окружающей световоздушной среды. На знаменитой картине Серова «Девочка с персиками » (1887) натюрморт с персиками на переднем плане на первый взгляд не играет важной роли в композиции полотна. Все внимание художника устремлено на В. Мамонтову, а фрукты только дополняют созданный образ. Но персики помогает Серову решить важную художественную задачу. Фрукты, по замыслу художника, служат цветовым ключом к колористическому построению картины. Серов подбирает для персиков собственный желтый цвет и противопоставляет его с белизной скатерти, с зеленью кленовой листвы и желтизной света, льющегося из окна в сад. Художник различает лимонно-желтые, зеленоватые и золотисто-желтые тона на неровных боках плодов. Осязаемый свет летнего дня, который словно формирует персики, определяет весь эмоциональный и живописный строй картины.
То, что обезглавливание всегда было модным, - это не новинка, так что сегодня они разъярены среди тех глупцов, которые, шепнув тому, что бог, взятый из иконоборческой ярости, используют то, с чем они сражаются, или культура изображения. То, что он сделал со многими другими намерениями и другими достижениями, самыми кинематографичными среди художников эпохи Возрождения, Караваджо. Действительно, в своего рода самозваном автомобиле обезглавленные головы, которые художник так много раз осознавал, были почти всегда его.
В этих работах Серов и Коровин открывают новый этап в развитии русского натюрморта. Аналитический характер этих картин принципиально отличается от существовавшей на тот момент концепции салонного натюрморта. Главным достоинством таких работ считалось максимальное сходство изображения с предметом. Также высоко ценилось этюдная легкость манеры или тщательная отделка живописной поверхности. Наиболее точно все эти принципы воплощены на большой картине К. Е. Маковского «В мастерской художника» (1881) . Работа поражает «натюрмортным» нагромождением деталей: экзотических фруктов, богатых тканей, антикварных редкостей. Огромная собака и маленький мальчик кажутся не живыми существами, а простыми экспонатами этой выставки предметов роскоши. Новая же концепция натюрморта предполагала всестороннее расширение границ жанра и слиянию его с портретом, пейзажем, интерьерной и бытовой живописью. Натюрморт перестает быть простым изображением «мертвой природы» и превращается в средство раскрытия образа.
Главы недвусмысленно мертвы, капают кровь, как в большом театре гиньола. Но еще более интересным является рассказ о смерти Девы, в которой язык Караваджо распространяет богохульство. Отвергнуто комиссией именно потому, что, помимо того, что она не в классических канонах, девственница была выведена под влияние трупом утонувшей проститутки. На самом деле, живот кажется раздутым, как и ноги, и цвет действительно трупный, устремленный к зеленоватым, несмотря на горячие огни, которые освещают сцену.
Антуан ван Дейк - ученик Рубенса - ведет нас за пределы религиозной иконографии, когда опера Рубенса плачет с женой, хотя труп Изабеллы просто виден, что впечатляет тем, что темный гроб, выложенный медом и влажная, тяжелая, ночная атмосфера. Да, кто знает, почему ужасные вещи случаются почти всегда ночью? Хотя все фигуры, похоже, являются частью их роли, так как в комедии, которая не так хорошо написана, насколько маленькая собака слева, глядя на боссов с их глазами, волнующимися и грустными в одно и то же время?
Новые веяния заметны в известной картине В.Д. Поленова «Больная» (1886) . Интерьер и фигура героини погружены в глубокую тень - они лишь фон, а смысл происходящего раскрывается при помощи компактной группы предметов, которая ярко освещена лампой с зеленым абажуром. Этот натюрморт очень содержателен. Полуобгорелый абажур выхватывают из темноты смятые подушки и простыни, стеклянный графин, стакан с водой, пузырьки с лекарствами и рецепты врача. Слева заметны потрепанные книги в красной и голубой обложке, возможно это домашние лечебники или альбомы, которыми развлекали больную. Подобная композиция является символом того, что вся жизнь этой больной сосредоточена вокруг этого стола и стоящих на нем предметов. На работе натюрморту отдана активная роль в создании настроения. Также достаточно характерен натюрморт, который выдвинут на первый план, в картине К.Маковского «Алексеич» . На картине фигура человека изображена уже на заднем плане, за натюрмортом. Образ благодушного старика раскрывается в той искренней радости, с которой он предвкушает свое одинокое чаепитие. Горбушка хлеба, кипящий самовар, варенье в стеклянной банке, бережно укрытая полотенцем коробка с сахаром и чаем - все это создает ощущение покоя и тепла, которое искренне радует неприхотливого человека.
Серия картин, представляющих уроки анатомии, настолько многочисленна, что они заслуживают того, чтобы их рассматривали отдельно, но, чтобы выбрать только несколько, необходимо начать с урока Анатомии Рембрандта и доктора Тулпа. Доктор Тулп, уполномоченный Гильдией врачей в Амстердаме, показывает, что операция гребня преступника хорошо известна. Это Адриан Адрианесзун, повешенный незадолго до того, как работа была выполнена. В этом случае мало что можно сказать о контрасте между розовым и живым мясом врачей и раненым, измученным и укоренившимся телом - особенно на лице и видимой руке - преступника.
Натюрморт (фр. nature morte - «мёртвая природа») - изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики.
Исходную точку раннего натюрморта можно найти в XV-XVI веках, когда он рассматривался как часть исторической или жанровой композиции. Долгое время натюрморт сохранял связь с религиозной картиной, обрамляя цветочными гирляндами фигуры Богоматери и Христа, а также часто располагаясь на оборотной стороне алтарного образа (как в «Триптихе семейства Брак» Рогира ван дер Вейдена). Также в XVI веке была распространена традиция создания портретов с изображением черепа, например, портрет Жана Каронделя работы Яна Госсарта (см. vanitas). Ранние натюрморты часто выполняли утилитарную функцию, например, в качестве украшения створок шкафа или для маскировки стенной ниши.
Но следующая картина, «Урок доктора Анатолия Леймана», гораздо более сложна. Картина была повреждена во время пожара, и мы видим оставшуюся часть. Отсутствовала голова доктора Леймана, которая выполняет рассечение мозга на теле другого преступника по имени Иоганн Фонтейн. Если большая часть изображения не имеет точности предыдущей, обнаженный мозг чрезвычайно реалистичен, как смущает помощник, удерживая череп, слегка отделенный от остальной части головы.
Очень похоже на урок анатомии доктора Виллема ван дер Меера. В этом случае раскрываются внутренние органы брюшной полости трупа, но с изобретательностью представления мертвой плоти - на этот раз незнакомца - цвета, слишком близкого к цвету живых вокруг него. Хорошо помнить, однако, что этот вид картины должен был возвысить социальную роль корпорации врачей, а не декаданс плоти.
Натюрморт окончательно оформляется в качестве самостоятельного жанра живописи в творчестве голландских и фламандских художников XVII в. Предметы в натюрмортной живописи этого периода часто содержат скрытую аллегорию - либо быстротечности всего земного и неизбежности смерти (Ванитас), либо - в более широком смысле Страстей Христовых и Воскресения. Это значение передаётся посредством использования предметов - в большинстве случаев знакомых и встречающихся в каждодневной жизни, которые наделяются дополнительным символическим значением.
И вот смерть, которая также захватывает могущественных. Таким образом, Иван Никитин - труп Петра Великого, Императора России, Ничего Противников или Человечества. Еще один урок анатомии - доктор Виллем Рёэл из Корнелиса Троста. В этом случае труп не кажется очень счастливым - насколько это может быть трупом - и, несмотря на гримасу страдания, все врачи преподавали и чрезвычайно элегантны, хотя то, что указывает на то, что у ноги, похоже, есть перчатка для белья, - кажется, не беспокоит, думая о том, чтобы выглядеть безопасным и опытным в глазах наблюдателя.
Нидерландский натюрморт XVII века
Нидерландский натюрморт представлял собой уникальное культурное явление XVII века, оказавшее влияние на дальнейшее развитие всей европейской живописи. «Малые голландцы» отразили в своих работах мир предметов, живущих своей тихой, застывшей жизнью. Термин «застывшая жизнь» (голл. stilleven, нем. stilleben, англ. still-life) стал употребляться для обозначения жанра в середине XVII века, поначалу в Нидерландах. До этого художники называли подобные картины, описывая сюжет: «Маленький завтрак», «Букет цветов», «Охотничий трофей», «Суета сует». Основной перевод указанного термина, встречающийся в литературе - «тихая, неподвижная жизнь».
Он, труп, лежит сосредоточенно и вощен. Даже открытое мясо демонстрирует не более мягкого розового цвета, с коленными суставами, которые просматривают разорванные мышцы. Неприличная смерть, веселая атмосфера в гостинице. Это урок, но как этого не должно быть.
Одним из самых известных и самых политических трупов является Жан-Поль Марат, написанный в ванной, где он был убит Шарлоттой Кордей, Жаком-Луи Давидом в виде светского освящения - возведения воскресения Христа - одного из отцов Французской революции, со всеми элементами дела, изображенными усердно: нож, румяна, письмо с просьбой об убийстве. Не поиск последствий смерти, а сублимация персонажа, который почти кажется улыбающимся.
Натюрморт в русской живописи 18-20 веков
Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII века. Представление о нем первоначально было связано с изображением даров земли и моря, разнообразного мира вещей, окружающих человека. Вплоть до конца 19 века натюрморт, в отличии от портрета и исторической картины, рассматривался в качестве "низшего" жанра. Он существовал главным образом как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.
Помните дискурс об обезглавливании? Теодоре Герико бросился вперед для тех, кто учился на плоту Медузы. Действительно неопытные исследования, но с большой силой. Они являются плодом многих визитов в парижские таверны, которые использовались для предоставления частей человеческого тела художникам и ученикам. Также представляется, что Герико удерживал остатки в своем кабинете в течение нескольких недель, чтобы изучить ухудшение состояния мяса и различные цветовые градации из-за разложения. По крайней мере, согласно тому, что мы видели до сих пор.
Начало ХХ века ознаменовалось расцветом русской натюрмортной живописи, впервые обретшей равноправие среди прочих жанров. Стремление художников расширить возможности изобразительного языка сопровождалось активными поисками в области цвета, формы, композиции. Все это особенно ярко проявилось в натюрморте. Обогащенный новыми темами, образами и художественными приемами, русский натюрморт развивался необычайно стремительно: за полтора десятка лет он проходит путь от импрессионизма до абстрактного формотворчества.
В этом случае для разрезания работ и объективного экспериментального использования, которые расчленили тела, мы могли бы правильно использовать тупиковое выражение, когда-то собранные анимированные объекты, но теперь сводятся к чистому моделированию того, что они были. 
Совершенно иная картина смерти, чем у Папа Ипполита Делароше, изображающего его прекрасную жену, Луизу, которая умерла в тридцать лет, как трансцендентный святой с ореолом. Только полуоткрытый глаз, рот, который, кажется, выдыхает последнее дыхание и бледную кожу, показывает отсутствие жизни.
В 30-40-е годы ХХ столетия это развитие приостановилось, но уже с середины 50-х годов натюрморт переживает в советской живописи новый подъем и с этого времени окончательно и твердо встает вровень с другими жанрами.
Русские натюрмористы
- Хруцкий Иван Фомич (1810-1885)
- Грабарь Игорь Эммануилович (1871-1960)
- Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878-1939)
- Кончаловский Пётр Петрович (1876-1956)
- Альберти Петр Филиппович (1913-1994)
- Антипова Евгения Петровна (1917-2009)
- Захаров Сергей Ефимович (1900-1993)
- Копытцева Майя Кузьминична (1924-2005)
- Котьянц Геворк Вартанович (1906-1996)
- Крестовский Ярослав Игоревич (1925-2003)
- Осипов Сергей Иванович (1915-1985)
- Позднеев Николай Матвеевич (1930-1978)
- Румянцева Капитолина Алексеевна (1925-2002)
- Скуинь Елена Петровна (1909-1986)
- Тетерин Виктор Кузьмич (1922-1991)
- Шаманов Борис Иванович (1931-2008)
